La semaine dernière, j’ai envoyé un mail aux 6 membres du groupe, dans lequel je leur ai demandé ce que signifiait Between Illness And Migration pour eux. Rien de très difficile vous me direz, comme cet album est un voyage que nous avons vécu pleinement et que nous continuons de vivre encore maintenant. Mais voici ce qui est plus délicat : La réponse doit être contenue en 110 caractères pour que je puisse la twitter avec une photo d’eux. En faisant ça, je voulais capturer la véritable essence de ce que l’album était pour eux, sans étincelle, sans mots additionnels. Aussi dépouillée et aussi brute que la réponse leur venait en tête. Après avoir eu un peu de difficulté, ils ont réussi à tous m’envoyer une réponse aussi courte que puissante… avec l’exception qui confirme la règle toutefois !
Qu’est-ce que cet album représente pour vous ? Dites-le nous dans les commentaires ci-dessous !

– Stéphanie

Cet album est une ode à la foi en l’invisible ! Il s’agit de défier ton plus profond espoir pour que l’inattendu se révèle !
– Jeff

J’ai commencé l’album en ayant peur de m’y perdre. Je suis tellement contente de l’avoir fait ! En perdant mon petit MOI, j’ai trouvé la liberté, je NOUS ai trouvés !
– Miss Isabel

Les peurs et les doutes vous gardent dans une boîte… La foi en lâchant prise vous fait marcher vers quelque chose d’éternel…
– Sef

Quand nous avons commencé l’enregistrement, nous étions 6 individus essayant de survivre au sein de différents types de faire-croire discordants et de différentes sortes de réalités dissonantes. Mais à travers tout le processus, nous nous sommes retrouvés complètement dépouillés de tout ce que nous pensions être à nous personnellement pour nous raccrocher au fait que c’est quand nous lâchons complètement prise à nos plus profondes illusions et toutes leurs ombres que nous trouvons le courage de mourir à nos propres afflictions auto-préservées et nos désespoirs aliénants… et les couleurs d’une toute nouvelle aube s’élèvent, nous poussant à croire à nouveau dans la lumière collective que nous avions reniée depuis si longtemps. Seulement là, quand nous avons décidé de mourir à nous-mêmes, nous avons trouvé le chemin pour nous retrouver tous et chacun. L’enregistrement a dévoilé son unique nature par la suite, seulement pour que nous puissions embrasser ce voyage et en découvrir sa véritable essence…
– Alex

C’est un voyage honnête comme nous n’avons jamais vécu auparavant, au-delà de notre propre nature et de nos doutes. Une vraie renaissance.
– Ben

Between Illness And Migration est la vérité qui vient avec le fait d’assumer qui je suis, qui nous sommes ensemble. C’est une marche continue.
– Moose

À la même date l’an dernier, Your Favorite Enemies s’envolait pour New York City, où leur album allait être mixé par John Agnello ! Tout le processus d’enregistrement ne ressemblait à rien de tout ce qu’ils avaient fait auparavant, comme ils ont repoussé les limites et les barrières de ce qu’ils pensaient “possible”. Un voyage au bout de leur propre nuit… un pèlerinage dans le vertige d’une grande ville à la recherche de la renaissance paisible de l’océan, un son distortionné, un voyage spirituel exaltant en tant que tel…

C’est irréel de penser que ça fait déjà un an que tout ça s’est passé… On dirait que c’est encore si proche pour chacun de nous… Cet album est devenu une partie de notre histoire ensemble, alors que nous avons partagé ses chansons ensemble, ses émotions aussi, et que nous l’avons inclus dans nos discussions…

Merci de faire partie de ce voyage, bien plus que ce que vous pouvez penser !

– Stéphanie

Intrinsèquement liée à l’austère et endeuillée chanson « Obession Is A Gun » de par sa nature pluraliste et son essence dualiste, « Muets Aux Temps Des Amours » est l’aveu lucide de la fugacité de la vie (Impermanence), bien qu’aussi une vision emplie d’espoir face aux temps changeants (Tempora Mutantur). C’est une contemplation silencieuse mais résolue exprimée à travers le bruit de l’existence, formulée en un magnifique poème écrit par Foster et dynamiquement incarné en japonais par Momoka Tobari à travers l’ondulation des feedbacks et le son des guitares. Il est impossible de nier la dimension introspective du moment, alors que le voyage de « Between Illness And Migration » transitionne tranquillement vers une atmosphère aux tons plus clairs.

Ainsi, « Muets Aux Temps Des Amours » livre son intention pure alors que Foster reconnaît l’état affligé de son coeur, confesse sa détermination à adhérer à sa résolution à lâcher prise de tous souvenirs qui, bien qu’abstraits, sont contraignants, à accueillir une pluie de lumière sur son âme perdue, comparant l’amour à un sakura éternel, fidèle à sa promesse de fleurir. Cette chanson peut être à propos de la maison que Foster a trouvé au Japon, à propos de l’amour qu’il s’est permis de vivre, ou bien à propos d’une relation renouvelée avec un dieu qu’il avait laissé de côté il y a longtemps. Sans tenir compte de la vulnérable nature de l’absence de réponses à ses nombreuses questions à la croisée des chemins, il croit néanmoins toujours à la nature rédemptrice d’une aube nouvelle…

Chaque chanson cache une histoire différente, et “Muets Aux Temps Des Amours” est très spéciale pour Alex.

“C’est la chanson pour laquelle je suis le plus fier d’être resté attaché à mon sentiment initial… Ça aurait pu juste être barré, mais c’est réel, vrai et honnête… et barré aussi…” – Alex

Cette photo a été prise pendant la création de « Muets Aux Temps Des Amours ».
Remarquez la différence dans le titre, choisi avant que les paroles soient complétées.
Une seule lettre a donné naissance à un monde de différence.

“Muets Aux Temps Des Amours” est une chanson qui évoque la reconnaissance d’un coeur brisé, la confession d’une détermination à accepter de lâcher prise à tous les souvenirs aux limites abstraites, l’acceptation de lumière sur une âme perdue. La chanson compare l’amour à un sakura éternel. Non conventionnelle dans sa forme et dans le son, “Muets Aux Temps Des Amours” est née de l’étincelle d’un sentiment qui a suivi la création de la chanson “Obsession Is A Gun”. Intrinsèquement liées ensemble, “Muets Aux Temps Des Amours” évoque des sentiments qui sont complètement contraires à ceux que nous ressentons dans “Obsession Is A Gun”… C’est cette transition nécessaire qui lie une tempête à un soleil paisible, une douleur sévère à une guérison profonde, de l’affliction à la migration.

– Stéphanie

Avez-vous déjà remarqué les paroles en japonais dans les chansons “A View From Within”, “Obsession Is A Gun” et “Muets Aux Temps Des Amours”? Elles ont été chantées par Momoka, et bien que ces paroles soient un mystère pour un grand nombre d’entre nous, elles n’en demeurent pas moins une partie très importante de chaque chanson dans laquelle elles se retrouvent.

Traduire les mots d’Alex n’est pas toujours tâche facile, et les personnifier ne l’est pas non plus. Dans ce blog, j’ai invité Momoka à nous partager son expérience.

– Stéphanie

– Comment c’était de traduire les paroles écrites par Alex?

Traduire les paroles d’Alex en japonais a été pour moi un grand honneur, mais aussi une des aventures les plus effrayantes de ma vie. Alex écrit habituellement de manière très poétique, même dans ses textes de tous les jours. J’étais inquiète et excitée à la fois de découvrir un monde jusque là inconnu à travers ses mots. Alors que je traduisais en japonais, je ne connaissais pas encore les mélodies des chansons. C’était moi et le monde qui appartenait aux mots seuls. Chaque fois que je recevais de nouvelles paroles, j’étais excitée, comme si j’allais pouvoir découvrir une nouvelle histoire que personne d’autre n’avait lu auparavant.

Mais j’étais tout de même effrayée. Je sais à quel point Alex déverse son âme dans les mots qu’il choisit, et à quel point il prête attention à la signification de chacun. Mais lorsqu’on se met à penser à l’anxiété, le cycle ne connaît aucune fin. Personne ne me dit si ce que je traduis est bien, ni si c’est mauvais. Alors tout ce que je peux faire est de me faire confiance et d’y donner tout ce que j’ai. Et c’est avec cette approche que j’ai traduit les paroles. Chacun des mots est mémorable, et bien que je déteste les lire (parce que je cherche toujours où sont mes erreurs), je veux aussi les chérir. Alors heureusement, vous prendrez aussi le temps de lire ces paroles. Et que, tout comme les chansons que vous écoutez plusieurs fois, vous lirez aussi les paroles plusieurs fois. Pour ceux qui le feront dans le futur, j’espère que vous vous immergerez non seulement dans la musique, mais aussi dans l’univers des mots.

– On peut entendre ta voix sur 3 pistes de l’album, « A View From Within », « Obsession Is A Gun » and « Muets Aux Temps Des Amours ». Comment s’est déroulée ton expérience en studio?

Je n’oublierai jamais la peur que j’avais lorsque j’ai eu à me tenir devant le micro en studio. J’ai essayé d’avoir du plaisir… C’est une expérience unique, pourquoi ne pas y avoir du plaisir ?! Mais lorsque je me suis retrouvée devant le micro, j’étais paniquée. J’étais nerveuse, effrayée, et ne voulais pas décevoir les membres du groupe.

Mais à ce moment, j’ai aussi réalisé quelque chose. Les membres du groupe parlent souvent de l’importance de s’exposer les uns et aux autres et de se faire confiance. Et j’ai compris pourquoi c’était si important. Il faut parler devant les gens. C’est comme ça. Mais lorsqu’on se met à penser qu’on pourrait être jugé, la peur s’installe instantanément. Et s’ils pensent que je ne rejoins pas leurs attentes ? Et s’ils me trouvent différente de ce qu’ils croyaient ? Et s’ils riaient de moi ? Chacun de ces petits doutes m’effrayaient terriblement. Mais j’ai dû aller au-delà de tout ça et leur faire confiance. C’est correct, ils me connaissent. Ils sont aussi passés par ces même étapes… Je me suis dit “c’est correct” de nombreuses fois. Et j’ai senti qu’ils se préoccupaient de moi, et qu’ils voulaient me mettre à l’aise. Je suis vraiment reconnaissante du coeur accueillant qu’ils ont eu envers moi et me suis promis que j’y mettrais tout ce que j’avais. C’est vraiment un honneur pour moi de faire partie de cet album. En fait, c’est encore irréel, mais ça a été pour moi une expérience précieuse qui m’a permis d’apprendre plus à propos de la confiance.

Ça fait déjà un mois que le vidéo-clip pour la chanson I Just Want You To Know est sorti. De sa conception à son enregistrement, jusqu’à ce qu’ils le regardent pour la première fois, les membres du groupe ont vécu différentes émotions… Voici leurs impressions sur la vidéo !

Alex
D’une chanson qui semblait d’abord être un appel intime à lâcher prise et une prise de position personnelle pour moi de donner une autre chance à la vie, à une chanson qui est maintenant définie par son cri de rédemption commun et sa célébration de liberté collective… Voici les images que j’ai de ce voyage d’absolution et de grâce…

Vous êtes tous invités à définir et à ajouter des couleurs à travers votre propre ascension… oui, nous sommes tous tellement plus que du bruit… et la liberté est tellement plus que n’importe quelle résolution à définir la gravité, comme lâcher prise nous permet de voler…

Jeff
La première fois que j’ai regardé la vidéo de I Just Want You To Know, ça m’a rappelé à quel point tout est possible… Que nous devons redéfinir ce mot puissant qui vit en nous appelé impossible. Que nous, en tant qu’individus, avons la capacité de créer, d’aimer, de briller, et de toujours repousser nos propres limites face à l’échec, l’engagement et la foi en qui nous sommes, et qui nous pouvons devenir ainsi que ce que nous voulons accomplir !

Sef
Après avoir regardé la vidéo de I Just Want You To Know, les premiers mots qui me sont venus à l’esprit sont “l’urgence de vivre”. On voit le groupe y mettre toutes ses tripes, les skateboards sauter partout autour mais garder cette cohésion entre eux, le feu déchaîné autour des danseurs mais toujours avec cette grâce qui soutient tous leurs mouvements. Ça respire la vie, la passion. C’est le privilège que j’ai eu, observant pendant le tournage de la vidéo sur le toit de la tour. En rencontrant le producteur, l’équipe vidéo, les skateboarders, quelques frères et soeurs qui étaient venus, c’était rafraichissant ! Le désir de l’excellence, en même temps que de toujours garder cette simplicité et cette joie de partager tout ensemble.

Et bien sûr, Jeff a trouvé un bon ami avec le producteur qui mangeait un morceau à chaque fois qu’il avait une petite pause ! J’étais aussi très touché par l’histoire des trois skateboarders; le plus vieux prenait sous son aile le plus jeune, qui est un vrai prodige selon eux. Ils ont tout investi en lui sans avoir peur d’être éclipsé ! L’amour va au-delà de l’égoïsme d’être ambitieux, mais il inspire à être en communion avec les gens et vivre, à travers cette communion, quelque chose d’éternel ! Je crois que c’était l’esprit qu’il y avait pendant cette journée spéciale !!!!

Miss Isabel
Lors de chacune des séances de tournage, j’étais si impressionnée par la beauté de l’art autant des artistes manipulant le feu que des skateboarders qui performent un art corporel vif et tellement complexe. Je me suis demandée par contre comment ces deux arts tellement différents allaient pouvoir se combiner et représenter la chanson. Quand j’ai visionné pour la première fois le vidéo-clip, j’ai non seulement compris, mais j’ai senti la puissance du sens de chaque image qui donne à la chanson une nouvelle profondeur pour moi. Les sauts des skateboarders défiant la gravité, osant à chaque fois, poussant constamment les limites, ne craignant pas la chute, « don’t you wish for wings to fly »… Et les artistes faisant danser un feu ardent, image pour moi de ce monde illusoire où les ombres semblent plus réelles, mais aussi image d’une dimension où tout est possible…

Je me souviens aussi juste avoir eu un plaisir enfantin pendant les prises de vue, émerveillée devant le feu, impressionnée devant les pirouettes des skateboarders, et comme tout enfant, je voulais tout à coup moi aussi jongler avec du feu (j’ai en fait opté pour des boules lumineuses pour mon premier essai de jonglerie… moins de risque pour moi… et les autres… lol) et bien sûr je voulais faire du skate ! (Bon… j’ai fait du skateboard… oui… si se déplacer sur une distance de quelques mètres en ligne droite sur une planche sans tomber peut être considéré comme « faire du skateboard »)

Revenons-en à la vidéo…
Le noir et blanc m’a surprise au début. Bizarrement, j’ai rapidement oublié qu’il n’y avait pas de couleur ! J’aime beaucoup l’intimité des scènes où Alex marche, on peut presque toucher sa fragilité qui entoure un désir déterminé de faire un pas de plus vers l’avant.

Cette vidéo me rend très fière car chacun d’entre nous avons dû y oser et y mettre le meilleur de nous-même. Le résultat est vraiment INCROYABLE.

Ben
C’est difficile de décrire toutes les émotions que cette vidéo m’a fait traverser. C’est une chanson tellement puissante et c’est un cri que je voulais pousser depuis longtemps. Ça m’a rappelé quand j’ai écrit le premier brouillon de cette chanson, comment je me sentais misérable, comment j’étais isolé, traversant une dépression et des cycles de solitude. Je pensais à toutes les fois où j’avais bafoué mon intégrité pour de l’amour bon marché. Quand Alex a écrit ces paroles incroyables, j’étais vraiment touché parce que ça pouvait alors devenir une voix que tellement de gens avaient besoin d’entendre. C’était rassembleur… “oui, on est tous un peu barrés… et nous avons tous besoin de cette main sur notre épaule parfois.”

La vidéo était en mesure de tellement bien mettre en lien tous ces éléments. La première fois que j’ai regardé la version finale, j’étais juste comme “qu’est-ce qui s’est passé……?” C’est rempli de tellement de passion, de par l’intensité du groupe, l’intimité, le mystère et le flou avec Alex, le feu déchaîné et intense. J’ai vraiment senti que ça parlait à mon coeur, et pour la première fois, j’ai eu du mal à expliquer comment je me sentais, et je ne voulais pas tout ruiner en essayant d’analyser ou d’humaniser tout ce que j’avais ressenti. Mais le message était encore plus clair dans mon coeur… et ça a fait parler la chanson encore plus fort pour moi. 

Moose
À commencer par le fait que nous avons eu l’opportunité et le privilège de filmer un vidéo-clip à différents endroits dans le monde, c’était déjà d’une réalité époustouflante et un témoignage vivant de ce que cette famille peut accomplir ensemble. Alors j’étais épaté et j’avais la foi en ce qui sortirait de ces différents éléments qui venaient exprimer le caractère explosif et introspectif de “I Just Want You To Know”. Les danseurs de feu, les skateboarders, le groupe jouant et la proximité avec Alex, l’amenant tel un voyage plus personnel. Ce que je ne pouvais pas m’imaginer était comment tout serait relié ensemble pour retranscrire vraiment ce qu’il y a dans ces 5:37 minutes d’éclat de vie.

La vidéo aurait pu probablement juste tourner autour du groupe qui joue, ou juste les artistes de feu, ou Alex, mais comme la chanson est personnelle mais rassemble en même temps, j’étais content que nous puissions intégrer différents angles à ça. Ce qui m’a touché est que la chanson apporte la quête personnelle et l’appel qui y est lancé ensemble dans une sorte de cri que j’ai souvent voulu exprimer mais sans savoir vraiment comment ou simplement le laisser sortir de plein de façons maladroites. Je me suis senti bien quand j’ai regardé la vidéo, elle m’a aspiré et je sentais comme un besoin de respirer, ça m’a ramené au coeur de ce que la musique a toujours été pour moi. Ces ailes pour voler… « Don’t you wish for wings to fly… » J’ai des souvenirs innombrables de quand la musique a été ces ailes pour moi, les moments où j’ai rêvé ou senti comme si je pouvais soudain juste être moi-même, quand j’étais libre…

Chaque album a sa propre âme, son propre esprit, et je peux dire sans aucun doute que “Between Illness And Migration” n’y fait pas exception. Alors qu’ils enregistraient l’album, les membres du groupe ont eu plusieurs discussions à propos de ce qu’ils voulaient infuser à l’album, ce que l’album était pour eux… En voici quelques unes, expliquées.

Toutes les illusions, toutes les zones de confort, tout ce que nous pensions être… C’est quand nous avons créé cet album que nous avons réalisé que nous avions bien plus qui vivait en nous. Les côtés sombres, et les plus claires. Nous devions les saisir avant de les voir partir. Ils nous ont quittés alors que nous créions les chansons, une après l’autre, y mettant toutes nos tripes, y déversant notre âme. Nous avons découvert qui nous étions nous-même, et nous avons aussi découvert les autres. Nous devions être vrais envers nous-même, et vrais avec les autres autour, pour que la musique soit vraie. Nous savions qu’il n’y avait pas d’autre façon pour nous de le faire. Nous devions tout donner. Nous devions mourir. Et renaître à nouveau. Chaque jour, nous devions mourir à nous-même, faire ce pas de foi, et croire que peu importe ce qui allait se passer, nous allions renaître, à chaque fois que nous mourions. Et autant que certains jours faisaient mal, c’est un pas de foi que nous avons fait tous les jours avec joie. Et c’est ce qui a rendu l’album si vrai. Il représente vraiment chaque pas de notre voyage entre affliction et migration… un voyage qui continue.

La musique est puissante dans le sens où elle évoque des souvenirs et autres mémoires, le temps passé et les moments partagés à chaque fois que nous écoutons une chanson. Et quand je pense à “I Just Want you To Know”, je ne peux pas m’empêcher de penser à ce poster que nous avons utilisé pour donner une image à ce que la chanson représentait alors que le groupe l’écrivait et lui donnait vie, la jouant tous ensemble dans ce que nous appelons “The Upper Room”, le milieu de l’église, à la recherche des subtilités qui feraient de la chanson ce qu’elle est aujourd’hui. Ce poster est un cadeau que nous avons reçu de la part d’un ami.

Alex n’a jamais vraiment expliqué ce qu’il signifiait quand il nous a montré le poster et a dit “C’EST ce qu’est I Just Want You To Know”. J’imagine que nous avons tous une explication différente à ça aussi. Cette image, autant que la chanson, représente quelque chose de différent pour chacun de nous, qui grandira et évoluera en même temps que nous.

“Les choses anciennes sont passées. Toutes choses sont devenues nouvelles”

D’une certaine façon, je suppose que c’est de ça qu’il s’agit. Une foi aveugle dans le fait de naître à nouveau. Peu importe les circonstances autour…

– Stéphanie

“I Just Want You To Know”, chanson exaltante et inspirante de Your Favorite Enemies, est le second single de leur premier album en Angleterre, dont la sortie est prévue le 26 février 2014, à travers leur propre label, Hopeful Tragedy Records.

“Parmi le top 5 des chansons qui sont un régal pour nos oreilles” selon le Kerrang! Magazine, le vidéo-clip de “I Just Want You To Know” a été auto-produit, selon l’ethos DIY dédié du groupe, pendant les segments australiens et japonais de leur tournée “More Than Noise And Make-Believes” 2013.

La vidéo met en vedette les skateboarders professionnels Naohiro Abe, Ryo Sejiri & Hirotoshi Kawabuchi, ainsi que le cracheur de feu Adam Lobbestael et les membres de la troupe avant-garde “FireBandits”.

“Ça peut être à propos de la liberté qui vient de cette décision personnelle de lâcher prise sur tout ce sur quoi on avait la mainmise… à propos de l’implication émotionnelle nécessaire afin de se fondre dans notre milieu à défaut de ne pas s’y sentir partie prenante… à propos des blessures intérieures provenant tant du rejet que de l’indifférence. C’est à propos des bruits incessants faisant rage dans nos esprits et à propos du silence ravageur qui les accompagne. C’est à propos de briser le cycle de notre auto-préservation trompeuse et à propos de cette lumière qui surmonte les faire-croires illusoires qui font ombre à notre foi en de meilleurs lendemains. À propos de liberté et de promesses qui font lacune. Et à propos de cette résolution à “être”, sans égard à nos honteuses défaites et à notre regrettable incrédulité… À propos de prendre une chance, une fois de plus…” – Alex Foster, à propos de la signification de la chanson et du contexte dans laquelle elle a été écrite.

Le terme « approche directe » doit être pris avec un sérieux degré de perspective lorsqu’on décrit l’une des chansons de Your Favorite Enemies, mais il pourrait toutefois très bien s’appliquer à la chanson « I Just Want You To Know ». Ceci étant dit, c’est seulement si vous êtes prêts à considérer la juxtaposition des guitares aux sons passionnés de type shoegaze et post-rock, la ligne de basse grincheuse et non-conventionelle, l’exhibition complexe de la folie de la batterie, le bourdonnement déroutant du clavier et la confession d’un chanteur déchaîné à la recherche d’absolution, de foi et d’une renaissance personnelle. Ou du moins, à la façon un peu pervertie de Your Favorite Enemies d’approcher le terme « direct ». Pensez à Nirvana, Sonic Youth, Grinderman et Mars Volta s’ils composaient des chansons avec les Pixies. Ce genre de perversion à ce qui pourrait autrement être direct.